Avez-vous déjà entendu le vieil adage « moins, c’est plus » ? Il peut s’appliquer à la musique, à l’art, et je pourrais même le conseiller à un athlète, quel que soit le sport qu’il pratique. Parfois, les gens ont l’impression qu’en faisant plus, ils obtiendront plus, ou plus rapidement. Pourtant, la plupart du temps, la méthode la plus simple est souvent la plus efficace.
Et cela s’applique absolument à la photographie. Les débutants tombent souvent dans ce piège. Ils ajoutent plus d’éléments dans le cadre, ou ils deviennent fous lors de l’édition, mais ce faisant, ils créent tellement de bruit que la partie la plus importante de la photo, le sujet, est perdue.
Mais les professionnels, et ceux qui ont des années d’expérience, regardent ce qui peut être enlevé de la scène, et non ajouté. Ils comprennent parfaitement l’idée que moins c’est plus et l’appliquent à leur travail pour aider leurs images à se démarquer, à être plus équilibrées et à être plus fortes esthétiquement.
Dans cet article, nous allons voir comment vous pouvez utiliser la simplicité pour améliorer votre photographie et comment reconnaître les signes qui indiquent que vous compliquez trop les choses. Commençons par le commencement.
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La simplicité crée des sujets plus clairs
Lorsqu’il s’agit d’une photographie, l’observateur doit immédiatement reconnaître le sujet de l’image. S’agit-il d’une personne, d’une montagne, d’un bâtiment ? Lorsqu’il y a trop d’éléments concurrents dans votre cadre, l’œil a du mal à se fixer sur quoi que ce soit. En l’absence d’un sujet clair, votre image n’a que très peu de substance, ce qui crée un cliché globalement faible avec très peu d’impact.
Demandez-vous quel est le sujet de votre photo et veillez à ce que l’attention soit dirigée vers ce sujet sans distraction. Pour ce faire, vous pouvez utiliser des techniques de composition classiques telles que la règle des tiers ou les lignes directrices, qui créent des images plus nettes et guident naturellement l’attention de l’observateur.
Essayez d’éliminer les distractions si possible, et si ce n’est pas le cas, repositionnez-vous de manière à ce que votre vue soit plus claire. Il existe également des moyens de remédier à ce problème au cours du processus d’édition, dont nous parlerons plus loin.
Je peux vous donner un exemple de la façon dont j’ai appris cette leçon dans mon propre travail de portrait. Les portraits forts attirent immédiatement l’attention sur le sujet et ne sont pas en concurrence avec le bruit de fond.
Lorsque j’ai commencé à photographier des portraits au néon, venant de la photographie de rue, j’étais plus obsédé par les enseignes au néon que par le modèle lui-même.
En revoyant mes photos, je n’arrivais pas à comprendre pourquoi mes portraits n’étaient pas aussi beaux que je l’espérais. Il manquait quelque chose. Cet élément manquant était un point focal. Mes photos étaient si chaotiques que rien ne ressortait vraiment, ou que l’arrière-plan en faisait trop, ce qui donnait une impression de faiblesse aux portraits.
Rappelez-vous donc quel est votre sujet et travaillez à lui donner l’attention qu’il mérite plutôt que de le forcer à rivaliser avec tout ce qui se trouve dans le cadre.
La simplicité améliore la composition
Nous venons d’évoquer des techniques de composition telles que les lignes directrices et la règle des tiers. Ces techniques sont si efficaces qu’elles guident l’œil vers votre sujet, vous aidant ainsi à le mettre en valeur avec facilité.
Ils fonctionnent mieux lorsque votre cadre est propre, car leurs conseils ne sont pas interrompus par des distractions inutiles. Comment y parvenir ? Il y a plusieurs façons de procéder, et le fait de se rappeler que des cadres propres donnent des images plus fortes est un bon point de départ.
N’hésitez pas non plus à utiliser les espaces négatifs. Il peut s’agir d’un ciel clair ou d’un mur vide, et cela permet d’attirer l’attention sur votre sujet, car l’œil n’a pas d’autre endroit où se poser.
Le recadrage est une autre méthode simple mais efficace.
Vous pouvez supprimer les éléments indésirables de votre photo ou resserrer le cadre autour de votre sujet, ce qui améliore instantanément l’image.
Prenez donc le temps de réfléchir à votre composition et à la manière dont vous encadrez votre sujet. La simplicité apporte l’équilibre et, le plus souvent, un seul sujet avec une seule source de lumière créera une image beaucoup plus forte qu’une scène chargée et encombrée.
La simplicité renforce l’émotion
Nous avons déjà parlé de l’impact, et sans un sujet clair, votre prise de vue ne peut pas vraiment apporter quelque chose de substantiel. Ce manque d’impact est souvent lié à l’émotion. Le sujet est ce qui crée instantanément le sentiment que l’observateur doit ressentir en regardant votre photo.
Si votre sujet a l’air heureux et plein d’énergie, le spectateur le ressent également. S’il a l’air abattu et morose, le spectateur le comprend immédiatement. Mais s’il y a trop de bruit visuel dans le cadre, ce sentiment s’affaiblit ou disparaît complètement.
C’est pourquoi l’isolement de votre sujet peut être si puissant. Jetez un coup d’œil à certains des meilleurs photographes de portrait en studio au monde. Pensez à l’impact que leurs images peuvent avoir sur vous, puis regardez à quel point leurs installations sont souvent simples. Le plus souvent, il n’y a qu’un modèle, un arrière-plan et c’est tout. Ils n’encombrent pas la scène, car ils savent que cela distrairait le spectateur et affaiblit l’impact. S’ils ajoutent des éléments supplémentaires, ils le font intentionnellement pour renforcer la narration et l’attrait émotionnel de l’image.
La simplicité facilite l’édition
Avec moins d’éléments dans votre scène, il y a naturellement moins de choses à éditer. Et avec un cadre fort et net, votre sujet fera déjà le plus gros du travail lorsqu’il s’agira de raconter une histoire et de susciter des émotions.
L’une des erreurs que commettent souvent les débutants est de tout retoucher. De l’arrière-plan au sujet, chaque curseur est poussé trop loin, ce qui peut rapidement ruiner l’intégrité de la photo.
Avec trop d’effets visuels, il y a trop de bruit visuel et votre spectateur aura du mal à comprendre ce que vous essayez réellement de montrer.
Les professionnels et les photographes expérimentés le savent et procèdent à des ajustements plus subtils qui, une fois combinés, créent une image beaucoup plus équilibrée et esthétique. Vous pouvez appliquer ce principe à votre propre travail en vous demandant si vos modifications améliorent réellement la photo ou si elles ne font qu’ajouter du bruit. C’est particulièrement vrai pour l’étalonnage des couleurs et le contraste, où les débutants sont souvent tentés de pousser les curseurs trop loin parce que l’effet semble spectaculaire.
L’un des outils que j’aime utiliser est l’outil Structure AI, et c’est l’un de mes préférés dans Luminar Neo.
Il ajoute instantanément de la clarté et des détails à une prise de vue, donnant ainsi plus de vie à l’image. Mais je ne l’utilise qu’avec parcimonie, car c’est un exemple parfait de ce que l’on peut faire avec moins. Si je pousse l’IA de structure trop loin, l’image commence à paraître dure et peu naturelle. Utilisée avec parcimonie, elle peut faire une énorme différence et contribuer à créer une image finale beaucoup plus forte.
Erreurs d’édition courantes
Examinons quelques domaines dans lesquels les débutants tombent souvent dans des pièges courants qui donnent à leurs photos un aspect trop chargé et affaiblissent l’impact global.
Remplir chaque partie du cadre : Il est tentant d’en rajouter, mais comme nous l’avons vu, l’utilisation de l’espace négatif permet souvent d’aller plus loin que de placer votre sujet sur une toile de fond trop chargée. L’espace négatif aide à faire ressortir la silhouette de votre sujet et attire naturellement l’attention sur lui, alors n’hésitez pas à l’essayer.
Sursaturation des couleurs : Les images colorées se distinguent et attirent l’attention. Mes premières photos au néon en sont un parfait exemple. J’étais novice en photographie et, sur certaines images, j’ai définitivement surcuisiné le montage. Les internautes ont critiqué à juste titre cette partie de mon travail, et cela m’a vraiment aidé à comprendre que trop de couleurs extrêmes pouvaient, comme l’a dit un commentateur, « faire saigner les yeux des gens », et honnêtement, ils n’avaient pas tort. En trouvant un meilleur équilibre et en apprenant un peu de théorie des couleurs, vous aiderez les tons à s’harmoniser naturellement, et vous découvrirez peut-être que vous n’avez presque plus besoin de toucher au curseur de saturation.
Trop de retouches : cette erreur est incroyablement facile à commettre, car lorsque vous disposez de tous ces outils de retouche professionnels dans Luminar Neo, il peut être difficile de reconnaître le point où vous passez d’un visage poli et professionnel à un visage irréaliste, parfois légèrement terrifiant. Utilisez ces outils avec subtilité, car une fois de plus, de petits ajustements combinés ensemble créent un résultat final beaucoup plus fort. J’aime bien prendre du recul et revenir sur l’image au bout d’une heure ou deux. Vous reconnaîtrez instantanément si vous êtes allé trop loin dans le lissage de la peau et si votre sujet ressemble davantage à un personnage de PlayStation qu’à une personne réelle.
Trop d’accessoires : j’ai fait de la photographie de produits pendant un certain temps, et les accessoires sont un moyen fantastique de raconter l’histoire du produit ou de fournir plus de contexte. Mais en ajoutant trop d’accessoires, le produit lui-même commençait à se perdre et le point central devenait confus, ce qui est exactement ce qu’un client ne souhaite pas pour une photo de produit.
Les accessoires doivent apporter une contribution significative à votre image, c’est pourquoi ils doivent être choisis avec soin. J’ai également suivi la règle selon laquelle l’accessoire ne doit jamais être plus grand que le sujet, ni avoir une couleur dominante. C’est là que la théorie des couleurs devient incroyablement utile.
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Le bilan
En matière de photographie, il est essentiel de faire preuve de simplicité et de simplicité tout court. Il peut être tentant d’empiler tout ce qui semble beau, mais ce faisant, il devient difficile de comprendre l’intérêt réel de l’image, ce qui peut instantanément détourner l’attention de l’observateur.
Imaginez qu’un groupe essaie de faire sonner sa nouvelle chanson comme il se doit. Si l’ingénieur du son met tous les instruments à plein volume, vous vous retrouvez avec un mur de bruit et la mélodie, l’harmonie et le message de la chanson se perdent. C’est exactement ce qui se passe visuellement lorsqu’il y a trop d’éléments concurrents dans votre travail.
Prenez donc du recul et demandez-vous ce que vous pouvez retirer de la photo, ce qui n’est pas nécessaire et quelles sont les couleurs trop dominantes. Éliminez tout cela et vous obtiendrez presque toujours une image plus propre et plus forte.
