Czy słyszałeś kiedyś stare powiedzenie „mniej znaczy więcej”? Można je odnieść do muzyki, sztuki, a nawet do sportowców, niezależnie od tego, jaki sport uprawiają. Czasami ludzie czują, że robiąc więcej, osiągną więcej lub szybciej. Jednak przez większość czasu najprostsza metoda jest często najbardziej skuteczna.
Dotyczy to również fotografii. Początkujący często wpadają w tę pułapkę. Dodają więcej elementów do kadru lub szaleją podczas edycji, ale w ten sposób tworzą tak dużo szumu, że najważniejsza część zdjęcia, obiekt, zostaje utracona.
Ale profesjonaliści i ci z wieloletnim doświadczeniem patrzą na to, co można zabrać ze sceny, a nie dodać. W pełni rozumieją ideę mniej znaczy więcej i stosują ją w swojej pracy, aby ich zdjęcia wyróżniały się, były bardziej zrównoważone i wyglądały bardziej estetycznie.
W tym artykule przyjrzymy się sposobom wykorzystania prostoty do poprawy jakości fotografii i rozpoznania oznak nadmiernego komplikowania rzeczy. Zaczynajmy.
Edytor zdjęć ze sztuczną inteligencją dla systemów macOS i Windows
Prostota tworzy wyraźniejsze tematy
Jeśli chodzi o jakąkolwiek fotografię, widz powinien natychmiast rozpoznać temat obrazu. Czy jest to osoba, góra, budynek? Gdy w kadrze znajduje się zbyt wiele konkurujących ze sobą elementów, oko ma trudności z ustaleniem czegokolwiek. A bez wyraźnego tematu na zdjęciu jest bardzo mało treści, co tworzy ogólnie słabe ujęcie o bardzo niewielkim wpływie.
Zadaj sobie pytanie, o czym właściwie jest twoje zdjęcie i jaki jest jego temat, upewniając się, że uwaga może być skierowana tam bez rozpraszania. Możesz to dodatkowo ułatwić, stosując klasyczne techniki kompozycyjne, takie jak zasada trójpodziału lub linie prowadzące, które tworzą czystsze obrazy i naturalnie kierują uwagę widza.
Jeśli to możliwe, spróbuj usunąć czynniki rozpraszające, a jeśli nie, zmień pozycję, aby widok był wyraźniejszy. Istnieją również sposoby na naprawienie tego podczas procesu edycji, o czym porozmawiamy później.
Mogę podać przykład tego, jak nauczyłem się tej lekcji w mojej własnej pracy portretowej. Mocne portrety natychmiast zwracają uwagę na fotografowany obiekt i nie konkurują z szumem tła.
Kiedy po raz pierwszy zacząłem fotografować neonowe portrety, wywodząc się z fotografii ulicznej, miałem większą obsesję na punkcie neonów niż samych modeli.
Przeglądając swoje zdjęcia, nie mogłem zrozumieć, dlaczego moje portrety nie wyglądały tak dobrze, jak się spodziewałem. Czegoś w nich brakowało. Tym brakującym elementem był punkt centralny. Moje ujęcia były tak chaotyczne, że nic tak naprawdę się nie wyróżniało lub tło robiło zbyt wiele, w wyniku czego portrety wydawały się słabe.
Pamiętaj więc, jaki jest twój temat i pracuj nad poświęceniem mu uwagi, na jaką zasługuje, zamiast zmuszać go do konkurowania ze wszystkim innym w kadrze.
Prostota poprawia kompozycję
Właśnie wspomnieliśmy o technikach kompozycyjnych, takich jak linie prowadzące i zasada trójpodziału. Techniki te są tak skuteczne, ponieważ kierują wzrok w stronę fotografowanego obiektu, pomagając z łatwością skupić na nim uwagę.
Działają one najlepiej, gdy ramka jest czysta, ponieważ ich wskazówki nie są zakłócane przez niepotrzebne czynniki rozpraszające. Jak więc możemy to osiągnąć? Istnieje kilka sposobów, a pamiętanie, że czystsze kadry prowadzą do mocniejszych obrazów, to świetny punkt wyjścia.
Nie bój się też wykorzystywać negatywnej przestrzeni. Może to być czyste niebo lub pusta ściana, która pomaga skierować uwagę na fotografowany obiekt, ponieważ oko nie ma gdzie się zatrzymać.
Przycinanie to kolejna prosta, ale skuteczna metoda.
Możesz usunąć niechciane elementy z ujęcia lub zawęzić kadr wokół obiektu, natychmiast poprawiając obraz.
Warto więc poświęcić chwilę na zastanowienie się nad kompozycją i sposobem kadrowania obiektu. Prostota zapewnia równowagę, a najczęściej jeden obiekt z jednym źródłem światła stworzy znacznie silniejszy obraz niż zajęta, zagracona scena.
Prostota wzmacnia emocje
Mówiliśmy wcześniej o wpływie, a bez wyraźnego tematu ujęcie nie może tak naprawdę dostarczyć niczego istotnego. Ten brak wpływu często sprowadza się do emocji. Temat jest tym, co natychmiast tworzy uczucie, którego widz powinien doświadczyć, patrząc na twoje zdjęcie.
Jeśli fotografowana osoba wygląda na szczęśliwą i pełną energii, widz również to poczuje. Jeśli wygląda na przygnębionego i nastrojowego, widz natychmiast to zrozumie. Jeśli jednak w kadrze jest zbyt dużo wizualnego szumu, odczucie to staje się słabsze lub całkowicie zanika.
Właśnie dlatego wyizolowanie obiektu może być tak potężne. Przyjrzyj się niektórym z najlepszych fotografów portretowych na świecie. Pomyśl o tym, jak duży wpływ mogą mieć na ciebie ich zdjęcia, a następnie spójrz na to, jak proste są ich konfiguracje. Najczęściej jest to tylko model, tło i to wszystko. Nie zagracają sceny, ponieważ wiedzą, że mogłoby to rozproszyć uwagę widza i osłabić efekt. Jeśli zawierają dodatkowe elementy, są one dodawane celowo, aby wzmocnić opowiadanie historii i emocjonalne przyciąganie obrazu.
Prostota pomaga w edycji
Przy mniejszej liczbie elementów w scenie jest naturalnie mniej do edycji. A dzięki mocnemu, czystemu kadrowi obiekt wykona już większość pracy, jeśli chodzi o opowiadanie historii i emocje.
Często popełnianym przez początkujących błędem jest nadmierna edycja wszystkiego. Od tła po obiekt, każdy suwak jest przesuwany zbyt daleko, co może szybko zrujnować integralność ujęcia.
Zbyt wiele efektów wizualnych powoduje zbyt duży szum wizualny, a widz będzie miał trudności ze zrozumieniem, co właściwie próbujesz pokazać.
Profesjonaliści i doświadczeni fotografowie wiedzą o tym i zamiast tego dokonują bardziej subtelnych korekt, które po połączeniu tworzą znacznie bardziej zrównoważony i estetyczny obraz. Jednym ze sposobów, w jaki można to zastosować do własnej pracy, jest zadanie sobie pytania, czy zmiany rzeczywiście poprawiają zdjęcie, czy też po prostu dodają więcej szumu. Jest to szczególnie powszechne w przypadku gradacji kolorów i kontrastu, gdzie początkujący często ulegają pokusie przesuwania suwaków zbyt daleko, ponieważ efekt wydaje się dramatyczny.
Jednym z moich ulubionych narzędzi w Luminar Neo jest Structure AI.
Natychmiast dodaje wyrazistości i szczegółowości ujęciu, ożywiając obraz. Używam go jednak tylko w niewielkim stopniu, ponieważ jest to doskonały przykład sytuacji, w której mniej znaczy więcej. Jeśli zbyt mocno nacisnę Structure AI, obraz zacznie wyglądać szorstko i nienaturalnie. Używana oszczędnie, może jednak zrobić ogromną różnicę i pomóc stworzyć znacznie mocniejsze ujęcie końcowe.
Typowe błędy edycyjne
Przyjrzyjmy się kilku obszarom, w których początkujący często wpadają w pułapki, które sprawiają, że ich ujęcia są zbyt zajęte i osłabiają ogólny efekt.
Wypełnianie każdej części kadru: Kuszące jest, aby dodawać więcej, ale jak już wspomnieliśmy, wykorzystanie negatywnej przestrzeni często idzie znacznie dalej niż umieszczenie obiektu na ruchliwym tle. Negatywna przestrzeń pomaga wyodrębnić obiekt i w naturalny sposób zwraca na niego uwagę, więc koniecznie spróbuj.
Przesycenie kolorów: Kolorowe obrazy wyróżniają się i przyciągają uwagę. Moje wczesne neonowe zdjęcia są tego doskonałym przykładem. Byłem nowy w fotografii i na niektórych zdjęciach zdecydowanie przesadziłem z edycją. Ludzie w mediach społecznościowych słusznie krytykowali tę część mojej pracy i naprawdę pomogło mi to zrozumieć, że zbyt wiele ekstremalnych kolorów może, jak to ujął jeden z komentujących, „sprawić, że oczy ludzi będą krwawić” i szczerze mówiąc, nie mylili się. Znalezienie lepszej równowagi i nauczenie się trochę teorii kolorów pomoże tonom naturalnie ze sobą współpracować, a może się okazać, że w ogóle nie trzeba dotykać suwaka nasycenia.
Zbyt dużo retuszu: Jest to niezwykle łatwe do zrobienia, ponieważ gdy masz wszystkie te profesjonalne narzędzia do retuszu w Luminar Neo, może być trudno rozpoznać punkt, w którym przechodzisz od dopracowanych i profesjonalnych do nierealistycznych, czasem nieco przerażających twarzy. Z narzędzi tych należy korzystać subtelnie, ponieważ po raz kolejny niewielkie korekty połączone razem tworzą znacznie silniejszy efekt końcowy. Jedną z rzeczy, które lubię robić, jest odejście i powrót do obrazu po około godzinie. Natychmiast rozpoznasz, że posunąłeś się za daleko z wygładzaniem skóry, a obiekt wygląda bardziej jak postać z PlayStation niż prawdziwa osoba.
Zbyt wiele rekwizytów: Przez pewien czas zajmowałem się fotografią produktową, a rekwizyty to fantastyczny sposób, aby pomóc opowiedzieć historię produktu lub zapewnić więcej kontekstu. Ale dodanie zbyt wielu rekwizytów oznaczało, że sam produkt zaczął się gubić, a punkt centralny stał się mylący, czego klient nie chce od zdjęcia produktu.
Rekwizyty powinny w znaczący sposób wzbogacać obraz, dlatego należy je starannie dobierać. Pracowałem również z zasadą, że rekwizyt nigdy nie powinien być większy niż obiekt, ani nie powinien mieć bardziej dominującego koloru. Tutaj teoria kolorów staje się niezwykle przydatna.
Podsumowanie
Mniej znaczy więcej i prostota to zasady, których należy przestrzegać w fotografii. Kuszące może być dodawanie wszystkiego, co wygląda świetnie, ale w ten sposób trudno jest zrozumieć, jaki jest rzeczywisty cel obrazu, a to może natychmiast odstraszyć widza.
Pomyśl o tym jak o zespole próbującym sprawić, by ich nowa piosenka brzmiała świetnie. Jeśli inżynier miksowania podkręci każdy instrument do pełnej głośności, skończy się to ścianą hałasu, a melodia, harmonia i przesłanie utworu zostaną utracone. Dokładnie to dzieje się wizualnie, gdy w utworze jest zbyt wiele konkurujących ze sobą elementów.
Cofnij się więc o krok i zadaj sobie pytanie, co możesz usunąć z ujęcia, co nie jest potrzebne i które kolory są zbyt dominujące. Pozbądź się tego wszystkiego, a prawie zawsze otrzymasz znacznie czystszy i mocniejszy obraz.
