¿Has oído alguna vez el viejo dicho «menos es más»? Se puede aplicar a la música, al arte, e incluso podría verlo aconsejado a un atleta en cualquier deporte que practique. A veces, la gente cree que haciendo más, conseguirá más, o lo conseguirá más rápido. Sin embargo, la mayoría de las veces, el método más sencillo suele ser el más eficaz.
Y es absolutamente aplicable a la fotografía. Los principiantes suelen caer en esta trampa. Añaden más elementos al encuadre, o se vuelven locos durante la edición, pero al hacerlo crean tanto ruido que la parte más importante de la foto, el sujeto, se pierde.
Pero los profesionales, y los que tienen años de experiencia, se fijan en lo que se puede quitar de la escena, no añadir. Entienden perfectamente la idea de que menos es más y la aplican a su trabajo para que sus imágenes destaquen, parezcan más equilibradas y tengan un aspecto estético más sólido.
En este artículo vamos a ver cómo puedes utilizar la sencillez para mejorar tu fotografía, y cómo reconocer las señales de que puedes estar complicando demasiado las cosas. Empecemos.
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La sencillez crea temas más claros
Cuando se trata de cualquier fotografía, el espectador debe reconocer al instante el sujeto de la imagen. ¿Es una persona, una montaña, un edificio? Cuando hay demasiados elementos que compiten entre sí en tu encuadre, al ojo le cuesta fijarse en algo. Y sin un sujeto claro, hay muy poca sustancia en tu imagen, lo que crea una toma globalmente débil con muy poco impacto.
Pregúntate de qué trata realmente tu foto y cuál es el tema, asegurándote de que la atención puede dirigirse hacia allí sin distracciones. Puedes contribuir a ello utilizando técnicas de composición clásicas, como la regla de los tercios o las líneas principales, que crean imágenes más limpias y guían de forma natural la atención del espectador.
Intenta eliminar las distracciones si es posible, y si no, recolócate para que tu visión sea más clara. También hay formas de solucionar esto durante el proceso de edición, de las que hablaremos más adelante.
Puedo darte un ejemplo de cómo aprendí esta lección en mi propio trabajo de retrato. Los retratos fuertes llaman inmediatamente la atención sobre el sujeto, y no compiten con el ruido de fondo.
Cuando empecé a hacer retratos de neón, al proceder de la fotografía callejera, me obsesionaban más los letreros de neón que el propio modelo.
Al revisar mis fotos, no entendía por qué mis retratos no quedaban tan bien como esperaba. Faltaba algo. Ese elemento que faltaba era un punto focal. Mis tomas eran tan caóticas que nada destacaba realmente, o el fondo hacía demasiado, y como resultado los retratos parecían débiles.
Así que recuerda cuál es tu sujeto, y trabaja para darle la atención que merece en lugar de forzarlo a competir con todo lo demás en el encuadre.
La sencillez mejora la composición
Acabamos de mencionar técnicas de composición como las líneas principales y la regla de los tercios. Estas técnicas son tan eficaces porque guían la mirada hacia el sujeto, ayudándote a enfocarlo con facilidad.
Funcionan mejor cuando tu marco está limpio, ya que su orientación no se ve interrumpida por distracciones innecesarias. ¿Cómo podemos conseguirlo? Hay varias maneras, y recordar que unos encuadres más limpios dan lugar a imágenes más fuertes es un buen punto de partida.
Tampoco tengas miedo de utilizar el espacio negativo. Puede ser un cielo despejado o una pared vacía, y ayuda a dirigir la atención hacia tu sujeto porque el ojo no tiene otro sitio donde posarse.
El recorte es otro método sencillo pero eficaz.
Puedes eliminar elementos no deseados de tu toma o ajustar el encuadre alrededor del sujeto, mejorando instantáneamente la imagen.
Así que tómate un momento para considerar tu composición y cómo estás encuadrando el sujeto. La sencillez aporta equilibrio, y la mayoría de las veces, un sujeto con una única fuente de luz creará una imagen mucho más fuerte que una escena recargada y desordenada.
La sencillez refuerza la emoción
Antes hemos hablado del impacto, y sin un sujeto claro, tu toma no puede aportar realmente nada sustancial. Esa falta de impacto a menudo se reduce a la emoción. El sujeto es lo que crea instantáneamente la sensación que el espectador debe experimentar al mirar tu foto.
Si tu sujeto parece feliz y lleno de energía, el espectador también lo sentirá. Si parece abatido y malhumorado, el espectador lo entiende inmediatamente. Pero si hay demasiado ruido visual en el encuadre, esa sensación se debilita o desaparece por completo.
Por eso aislar al sujeto puede ser tan poderoso. Echa un vistazo a algunos de los mejores fotógrafos de retratos de estudio del mundo. Piensa en el impacto que pueden tener sus imágenes en ti, y luego fíjate en lo sencillos que suelen ser sus montajes. La mayoría de las veces se trata de un modelo, un fondo y ya está. No abarrotan la escena porque saben que si lo hicieran distraerían al espectador y debilitarían el impacto. Si incluyen elementos adicionales, lo hacen intencionadamente para reforzar la narración y la fuerza emocional de la imagen.
La sencillez ayuda a editar
Con menos elementos en tu escena, naturalmente hay menos que editar. Y con un encuadre fuerte y limpio, tu sujeto ya estará haciendo la mayor parte del trabajo en lo que respecta a la narración y la emoción.
Un error que suelen cometer los principiantes es sobreeditarlo todo. Desde el fondo hasta el sujeto, cada control deslizante se lleva demasiado lejos, y puede arruinar rápidamente la integridad de la toma.
Con demasiados efectos visuales viene demasiado ruido visual, y tu espectador tendrá dificultades para entender qué es lo que realmente intentas mostrar.
Los profesionales y los fotógrafos experimentados lo saben, y en su lugar realizan ajustes más sutiles que, combinados entre sí, crean una imagen mucho más equilibrada y estéticamente agradable. Una forma de aplicar esto a tu propio trabajo es preguntándote si tus cambios están mejorando realmente la foto o simplemente añadiendo más ruido. Esto es especialmente habitual en la gradación del color y el contraste, donde los principiantes suelen caer en la tentación de llevar los controles deslizantes demasiado lejos porque el efecto parece espectacular.
Una herramienta que me gusta utilizar es la de Estructura AI, y es una de mis favoritas dentro de Luminar Neo.
Añade claridad y detalle a una toma al instante, aportando más vida a la imagen. Pero sólo lo uso ligeramente, porque es un ejemplo perfecto de que menos es más. Si fuerzo demasiado la Estructura AI, la imagen empieza a parecer dura y poco natural. Sin embargo, si se usa con moderación, puede suponer una gran diferencia y ayudar a crear una imagen final mucho más fuerte.
Errores comunes de edición
Veamos algunas áreas en las que los principiantes suelen caer en errores comunes que hacen que sus tomas parezcan demasiado recargadas y debilitan el impacto general.
Llenar cada parte del encuadre: Resulta tentador seguir añadiendo más, pero como ya hemos dicho, utilizar el espacio negativo a menudo va mucho más lejos que colocar el sujeto sobre un fondo recargado. El espacio negativo ayuda a siluetear el sujeto y atrae la atención hacia él de forma natural, así que no dejes de probarlo.
Colores sobresaturados: Las imágenes llenas de color destacan y llaman la atención. Mis primeras fotos de neón son un ejemplo perfecto de esto. Era nuevo en la fotografía, y en algunas imágenes definitivamente sobresaturé la edición. La gente en las redes sociales criticó con razón esa parte de mi trabajo, y realmente me ayudó a entender que demasiados colores extremos podían, como dijo un comentarista, «hacer sangrar los ojos de la gente», y sinceramente, no se equivocaban. Encontrar un mejor equilibrio y aprender un poco de teoría del color ayudará a que los tonos funcionen juntos de forma natural, y puede que descubras que apenas necesitas tocar el control deslizante de saturación.
Demasiado retoque: Este es increíblemente fácil de hacer, porque cuando tienes todas estas herramientas de retoque profesional dentro de Luminar Neo, puede ser difícil reconocer el punto en el que pasas de rostros pulidos y profesionales a rostros poco realistas, a veces ligeramente aterradores. Utiliza estas herramientas sutilmente, porque una vez más, los pequeños ajustes combinados crean un resultado final mucho más sólido. Una cosa que me gusta hacer es alejarme y volver a la imagen al cabo de una hora más o menos. Reconocerás al instante si has ido demasiado lejos con el suavizado de la piel y tu sujeto se parece más a un personaje de PlayStation que a una persona real.
Demasiado atrezzo: Hice fotografía de producto durante un tiempo, y el atrezzo es una forma fantástica de ayudar a contar la historia del producto o proporcionar más contexto. Pero añadir demasiados accesorios significaba que el producto en sí empezaba a perderse, y el punto focal se volvía confuso, que es exactamente lo que un cliente no quiere para una foto de producto.
El atrezzo debe aportar algo significativo a tu imagen, así que elígelo con cuidado. También trabajé con la regla de que el atrezzo nunca debe ser más grande que el sujeto, ni debe tener un color más dominante. Aquí es donde la teoría del color resulta increíblemente útil.
Lo esencial
Menos es más y mantener la sencillez son reglas a seguir en fotografía. Puede ser muy tentador amontonar todo lo que queda bien, pero al hacerlo, resulta difícil comprender cuál es el objetivo real de la imagen, y eso puede apartar al instante al espectador.
Piénsalo como un grupo que intenta que su nueva canción suene genial. Si el ingeniero de mezclas pone todos los instrumentos a todo volumen, acabas con un muro de ruido, y la melodía, la armonía y el mensaje de la canción se pierden. Eso es exactamente lo que ocurre visualmente cuando hay demasiados elementos que compiten en tu obra.
Así que da un paso atrás y pregúntate qué puedes eliminar de la toma, qué no es necesario y qué colores son demasiado dominantes. Elimínalo todo, y casi siempre te quedará una imagen mucho más limpia y fuerte.
